For Takaaki Akaishi’s photography

From “UNBROKEN ROOM” to “UBRM#000.**”

Shigeo Goto

Today, photography would be one of the most exciting areas in the context of contemporary art. It is intimately linked to a drastic change that photography has freed itself from art of light with film and developing paper owing to the digitalization. This change reminded us of the fact that photography is originally an art of “outside”,so to speak, which needs a machine as a medium, and also gave photography a chance to be primary rebuilt or reborn. What makes the situation even more interesting is that photography regained its original character as an “object” due to the today’s circumstances surrounding the Internet in which the images flows out in online space immediately.Paintings, for example, have already reached its limit in a sense that they can only exist as references of the history of itself, in other words, “inside” of its art form.Photography, on the other hand, is wildly trying to expand itself even to a field of non-photography as an “outside”. I would have to emphasize the irrelevance of conservative but inevitable criticism to these attempts like “it is not at all photography”. You cannot deal with this drastic change without the realization that expansion of the media is itself a product of criticality. It is the intersection and clash between photo-media and PC and other new materials that opens up a new horizon of photography as a new criticality. Nobody can stop this expansion of photography.

Above all, Takaaki Akaishi is a quite sensical artist in the midst of upheaval on photography. He started photography by following the styles of Japanese 90’s photography represented by the photographers like Takashi Homma, Masafumi Sanai and Takashi Yasumura and he still loves them. However, the most important thing he got from them is not the way they take photographs but the discovery that the world is no longer a new and nothing but photography can renew it.The discovery that there is no longer a novelty in the new century does not drive him into negativism or nihilism but total mannerism. He does not wander the world around him to create photographs but he got a realization that photographs are the only mechanisms that can reproduce photographs as a world. In that sense,photography is not an implement for “finding” things like the light or vision but rather one for “transforming” them.

One day, Akaishi was given a broken piece of “red power stone” (a stone with a healing power) by a friend and got interested in the fact that the name of this stone coincides with his own name (Aka-ishi means Red-stone in Japanese). This experience let him come across this piece of stone as a motif of his photo-study of “transformation”. He literally came across it, not came up with it.As well as shooting this piece of stone itself, he made objects from it to shoot and destroyed them later. For him, it is an act of cultivating or expanding photographs as a world. The appendix called “UPDATE HISTORY”attached with his photobook “UNBROKEN ROOM” was a genealogy documenting how his photographs have been produced by the “transformation” in a last decade.

This work tends to be seen as the “genealogy of visual perceptions” but in fact would be a result of a sort of conceptual art. For instance, it would be of a work quite similar to those of American conceptual artist Joseph Kosuth that questioned “relation” between things like “words and things” and “letters and meaning”in the early stage of conceptual art. Here, one could go so far as to say that it was the “relation” as a function that let the objects exist as an artwork.

Same as Kosuth’s works, it is not too much to say that the shot objects in Akaishi’s photo work do not have any meaning but the act of “transformation” is a core of his work which would make itself a “expanded photograph”. The photo exhibition “UBRM#000.** ” was started from when he gave a copies of dummy of his photobook “UNBROKEN ROOM”, which was made in the same size and with the same papers as the real one,to each of two different painters and asked them to copy out all the photographs in the same size and layout in it.The aim of this project for him was to re-photograph these paintings and to allow the “new photographs”grow again. Therefore, the “UBRM#000.**” is an updated version of “UNBROKEN ROOM” as a next form of “transformation”.

As you can see, Akaishi’s work goes in a similar but quite different direction as the works by Daniel Gordon and Lucas Blalock do, which can be characterized as “multilayerization of photographs”=”expansion of photographs”. This fact would inversely reveal the importance and the uniqueness of Akaishi’s work.In addition, I would like to note that his reticular work recently installed in National Museum of Art, Okutama, is also remarkable as a different version of the work of “transformation”, which had been knitted out of 40-meter-textile on which his photographs were printed, not exhibited in this exhibition unfortunately though. So, where is this “journey of transformation” of photography going? Even If we ask him so, he will just smile unconcernedly and say, “I don’t know, where do you think? ” and next will gaze into nothing. Then he must be beginning his next experiment in photography with a look of seriousness and lightness.

 

 

　写真は今、コンテンポラリーアートという分野において、 最もエキサイティングな分野である。それは写真がデジタル化によって、光のアート（フィルムと印画紙）から、大きな変化にさらされたことと強く関係している。写真が絵画とは根本的に異なり、機械が介在する「外」の芸術であるという始原を思い出させ、写真というアートフォームが根本から再編・新生されるチャンスを得ることになったのだ。また、web空間にイメージが高速で流出する中で、かえって写真がもっていた「モノ」としての性格が、写真に回帰したことも、事態を面白くしている大きな要因だろう。絵画は、すでに絵画というアートフォームの「内」へのレファレンスで出来上がるしかない限界に達している。それに対し、写真は「写真でないもの」という「外」へ向け、 写真というアートフォームをやみくもに拡張しようとする。当然のこと、保守的な立場の人々からは、「それは写真なんかじゃない」という声があがるが、その批判は、見当ちがいもはなはだしいといわざるをえない。メディアの拡張自体がクリティカリティの産物だという認識のシフトがなければ、対応できないだろう。写真メディアがPCや、 新たなマテリアルやモノとクロッシングし、衝突すること。 そのエクスペリメンタルこそが、新しいクリティカリティとしての写真を拓くのだ。写真の拡張を誰も止めることなどできないのである。

赤石隆明は、この大変動の中で、きわめて意識的な作家だ。彼は90年代的な写真（例えばホンマタカシ、佐内正史、 安村崇ら）からスタートし、今もそのテイストを愛してはいる。しかし、彼が先行者から受けた最も重要なことは、テイスト以上に、世界はもはや、すでに新しくなく、写真というアウトプットのみが世界を新しくできるという発見・発明であった。新世紀には、もはや新しさはないという発見。それはネガティブでもニヒルでもなく、すがすがしいまでのマンネリズムに、赤石をかりたてる。写真をつくるために世界をさまようのではなく、写真が唯一、写真 ＝世界を産み出す装置であるという認識。その時、写真は光や視覚の「発見」の道具というより「変換」の道具となったのである。

赤石は、友人がプレゼントしてくれた「赤いパワーストー ン」の破片が、自身の名前（赤い石）に偶然一致することに興味を持ち、「変換」のモチーフにすることに出会う。 考えついたのでなく、まさに、出会ったのだ。パワーストー ンの破片を写真に撮るだけではなく、オブジェとしてつくり、そのオブジェを撮り、壊し、写真＝世界を増殖・拡張させる。写真集『UNBROKEN ROOM』に付録としてつけられた、「UPDATE HISTORY」は、この10年間、赤石の写真がどのような「変換」によって生み出されたかという系譜図であった。この作業は、「視覚の系譜図」と思われがちだが、実はある種のコンセプチュアル・アートの成果と言うべきだと思われる。例えば、初期のコンセプチュアル・アートにおいて、コスースらが、「コトバとモノ」「文字と意味」などの「関係性」を問題にしたことと似ている。ここにおいては、 極論すれば「関係性」という関数こそが作品と言えるものであった。赤石の写真においても、写されているモノには意味がなく、「変換」こそが作品であり、そこにおいて「拡張される写真」と言ってよいと思われる。

今回の個展『UBRM#000.**』は、写真集『UNBROKEN ROOM』を制作した時の「束見本」（写真集と同じサイズで同じ紙でできている）を、作風のちがう2人のペインターに発注し、自分の写真集の写真と同じ大きさ、同じレイアウトで模写させることから始まっている。そして赤石のねらいは、描かれたページを再度、撮影（写真化）し、また「新たな写真」を増殖させるという作業である。作品 『UBRM#000.**』は『UNBROKEN ROOM』の次なる「変換」形として「UPDATEされている」というわけなのだ。ここにおいてあきらかなように、赤石の写真は昨今のダニエル・ゴードンやルーカス・ブラロックの、「写真の立体化」＝「拡張化」とは、ずい分「似て非なるもの」に向かっていると言ってよい。この意味において、赤石隆明の作品の重要さ、ユニークさが逆に浮かび上がってくるだろう。また今回の展覧会では出展されていないが、国立多摩美術館で発表された、写真がプリントされた40メートルの布を編んでつくった「網」状の作品なども、また異なる「変換」のヴァージョンとして注目すべき作品だと指摘しておきたい。さて、このような写真の「変換の旅」がどこへ向かっていくのか？　それを問うても、赤石は人ごとのように「どこでしょうね？」と軽く笑い、そして次の瞬間、虚空をみつめ、シリアスと明るさが入り交じった表情で、また写真についての次なる作業にとりかかるのにちがいない。